Los fashionistas se vuelven locos por un buen vestido vintage, y es fácil ver por qué. Mientras que la industria de la moda mira continuamente a su pasado en busca de inspiración para el diseño, los vestidos vintage a menudo tienen mejor construcción y soporte incorporado -y están hechos de materiales más finos- que cualquier cosa que puedas comprar hoy en día.
En el siglo XX, los vestidos de mujer se convirtieron tanto en un vehículo de autoexpresión como en una muestra visual de los valores sociales contemporáneos y del clima político. Un vestido vintage podría revelar si una década alentó la feminidad o la androginia, si apoyó la modestia o la liberación sexual, si fue una época de escasez o una época de abundancia.
Anteriormente, en la Era Victoriana, las mujeres de clase alta y media usaban vestidos largos con cinturas pequeñas y faldas voluminosas sobre corsés, capas de enaguas y a veces crinolinas enjauladas. Los vestidos, aunque a menudo hermosos, formaban parte de trajes que restringían el movimiento y reflejaban la creencia de la sociedad de que las mujeres pertenecían al hogar y no a la esfera pública o a la fuerza de trabajo.
Los vestidos antiguos de la década de 1910 revelan cómo las costumbres fueron cambiando después del cambio de siglo, a medida que más y más mujeres trabajaban, viajaban solas y exigían el derecho al voto. En esa década, Paul Poiret y otros diseñadores de vanguardia se inspiraron en Asia y liberaron a las mujeres occidentales de moda de la silueta rígida de corsé. Poiret ha creado vestidos vintage inspirados en kimonos japoneses, batas chinas y saris indios. Sus diseños de alta costura inspiraron a mujeres comunes y corrientes a usar túnicas parecidas a sacos sobre vestidos más delgados o incluso vestidos de «pantalla de lámpara» con una grada superior que flameaba hasta convertirse en un aro que aterrizaba en algún lugar por encima de sus rodillas.
En las décadas de 1910 y 1920, a medida que las mujeres estadounidenses ganaban el derecho al voto, sus vestidos se volvieron más reveladores y más andróginos. El llamado «look flapper» de la era del jazz consistía en vestidos cortos, sin mangas y de cintura caída, con siluetas boxeadoras y juveniles. Las faldas hasta las rodillas hacían más fácil que las mujeres jóvenes condujeran autos y viajaran en taxis sin escolta, e inicialmente fue bastante excitante cómo estos vestidos mostraban hombros, cuellos, brazos y pantorrillas.
Los vestidos vintage de los años 20 son difíciles de encontrar en buena forma. Originalmente, estaban hechas de frágiles chifones de seda cosidos con cuentas o satenes de seda que habían sido empapados en soluciones metálicas. Las cuentas y el brillo metálico hacían que la tela fuera más propensa a desgarrarse o desmoronarse, sobre todo teniendo en cuenta que la joven flapper llevaba el vestido haciendo el Charleston en la pista de baile durante horas y horas, noche tras noche, emulando a Clara Bow y Louise Brooks y otras «it girls» en películas mudas.
En 1926, Coco Chanel, quien rompió por primera vez los tabúes que ponían a las mujeres en un relajado jersey de lana, introdujo el concepto de «pequeño vestido negro» o «LBD» en «Vogue». Este vestido corto, sencillo y de manga larga en crepe de Chine afirmaba que el negro ya no era el color del luto, sino un color que las mujeres de cualquier estatus social podían usar en las fiestas de cócteles chic. Jean Patou, Elsa Schiaparelli y Jeanne Lanvin fueron otros diseñadores influyentes en esta época.
Las curvas regresaron en la década de 1930, cuando la gente que luchaba por sobrevivir durante la Gran Depresión encontró escapismo en las películas. Las glamorosas estrellas de la pantalla plateada llevaban elegantes vestidos de noche que abrazaban a la figura mientras retrataban un mundo de alta sociedad en el que la mayoría de los espectadores de cine nunca vivirían. Se dice que la diseñadora francesa Madeleine Vionnet domina el corte sesgado; sus lujosos vestidos usaban satenes de seda y terciopelos cortados de tal manera que sus granos se deslizaban diagonalmente por todo el cuerpo, abrazando la forma de una mujer.
Sexy y sofisticados vestidos vintage de ocasión especial cortados de esta manera usaban más tela que los vestidos cortados a lo largo del grano, por lo que la mayoría de las mujeres no podían permitírselos. En cambio, las mujeres y niñas estadounidenses promedio reciclaban harina y sacos de pienso -que luego venían en bonitos estampados de algodón- y los cosían a mano para convertirlos en simples vestidos caseros.
A medida que los hombres estadounidenses salieron a luchar en la Segunda Guerra Mundial y las mujeres se incorporaron a la fuerza laboral, los vestidos de día de las mujeres se volvieron más masculinos, usando tweed, grandes solapas y hombreras, o siendo emparejados con chaquetas con esas características. El vestido de cintura camisera, que tenía un número limitado de botones y una falda con pliegues o pliegues modestos, era otro estilo popular y sencillo. Debido a que Estados Unidos racionaba sus combustibles fósiles y usaba menos calor a principios de la década de 1940, verás vestidos de época con mangas largas, especialmente mangas dolman.
Aunque los vestidos de día eran modestos y prácticos, por la noche se esperaba que las mujeres sorprendieran a los soldados con sus impresionantes y femeninos vestidos de fiesta. Mientras que el racionamiento de la tela mantenía las faldas delgadas, no había limitaciones en adornos como lentejuelas o piedras de imitación, por lo que un vestido de cóctel vintage de 1940 puede deslumbrar.
Después de que la guerra terminó y los hombres volvieron a sus puestos de trabajo, la vestimenta de las mujeres se volvió más femenina cuando Christian Dior introdujo el «New Look» en 1947. Los vestidos vintage de este estilo enfatizan la línea del busto y tienen faldas voluminosas con capas y cinturas pequeñas con deshuesado incorporado y petershams como soporte. El New Look fue una gran influencia en los vestidos de baile estándar sin tirantes hechos en seda, rayón, nylon o tafetán, con adornos de malla de tul.
A finales de los años 40 y principios de los 50, los vestidos de casa se hacían de novedad o pequeños estampados florales, e incluso los vestidos hechos de un solo color tenían adornos de encaje o malla. Gracias a la tendencia tiki, los llamados «vestidos muumuu» en estampados florales hawaianos brillantes también fueron populares durante la década de 1950.
A mediados de la década de 1950, el aprendiz de Dior, Yves Saint Laurent, debutó con nuevos vestidos de formas modernistas, incluyendo el vestido triangular de la línea A, el vestido de hombros anchos, de cadera estrecha del vestido de la línea Y, y el corto «vestido de trapecio», parecido a una tienda de campaña. Cristóbal Balenciaga introdujo los vestidos de bebé-muñeca con cintura alta y «vestidos de saco» redondos. Dior’s Saint Laurent y Hubert de Givenchy abrazaron las líneas limpias del Modernismo y desarrollaron sus propias versiones del vestido de cambio en 1957. Más o menos al mismo tiempo, Emilio Pucci comenzó a crear vestidos en sus telas distintivas, que tenían diseños giratorios y psicodélicos en colores brillantes, y para la década de 1960, los vestidos en sus estampados se convirtieron en un elemento básico de un armario de mujer de moda.
En 1961, Givenchy hizo su vestido de turno más sexy y esbelto para Audrey Hepburn en «Breakfast at Tiffany’s», un look que redefinió el concepto del elegante vestidito negro. Además, la Primera Dama Jackie Kennedy hizo que el vestido de un solo color se viera elegante y progresista a principios de la década de 1960. En esa década, las mujeres jóvenes y las adolescentes tenían más ingresos disponibles para gastar en moda y en salir que nunca antes. Por esa razón, innovadores como Mary Quant, Ossie Clark y Celia Birtwell produjeron vestidos baratos y coloridos con faldas escandalosamente cortas para adolescentes rebeldes llamados «Mods». El trabajo de artistas Pop como Andy Warhol y Modernistas como Mondrian fueron adoptados en vestidos de fiesta elegantes y divertidos, y otros vestidos caprichosos fueron hechos de papel, vinilo o hilo metálico.
El verano del amor en San Francisco en 1967 y Woodstock en Nueva York en 1969 trajeron la moda de la contracultura a la corriente principal. El estilo flower-power consistía en vestidos sueltos de estilo campesino con faldas maxi a la altura del tobillo, con estampados que iban desde el ojo de corbata hasta patrones étnicos tomados de tribus de todo el mundo. Inicialmente, el estilo hippie «de vuelta a la naturaleza» era de cejas bajas, adoptando ropa casera, usada y ahorradora que los fashionistas rechazaban, pero no pasó mucho tiempo antes de que el aspecto del movimiento fuera cooptado por diseñadores de alto nivel.
Mientras que la jefa de redacción de «Vogue», Diana Vreeland, se había enamorado de los caftanes bohemios de Oriente Medio y África a principios de los años sesenta, Yves Saint Laurent y otros diseñadores respondieron al Verano del Amor con la alta costura «gitana», que incluía vestidos de gasa de corte sesgado con capas de telas transparentes y bufandas drapeadas. Los hippies favorecían los colores naturales como el verde y el marrón, pero para la década de 1970, los vestidos psicodélicos en tonos terrosos se hacían con telas de poliéster que no eran naturales y picaban.
Se puede ver la nostalgia de vivir en casa con vestidos vintage al estilo «prairie» de los años 70, como los de la marca Gunne Sax de Jessica McClintock, mientras que otros diseñadores como el diseñador de David Bowie Kansai Yamamoto abrazaron el artificio extravagante y chispeante que caracterizaba a Studio 54 y a otros lugares de moda de la discoteca. Gianni Versace, Giorgio Armani, Sonia Rykiel, Karl Lagerfeld y Missoni adquirieron importancia en esta década.
El movimiento feminista de la segunda ola de la década de 1970 atrajo a más mujeres a la fuerza laboral en la década de 1980, y de nuevo, los vestidos masculinos con grandes y atrevidos hombreras y adornos se convirtieron en todo un furor (piense en «Dinastía»). Debido a que era una época de prosperidad, las mujeres rechazaron los estilos de granola de las últimas dos décadas por su aspecto atrevido y futurista. Los vestidos vintage de los años 80 son característicamente llamativos y ajustados, a veces con colores de neón cegadores y telas artificiales elásticas como lycra y spandex.
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